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Macbeth Verdi : Lille c'est bien et pas que pour le foot :)
Générale de Macbeth Verdi à l’opéra de Lille le mercredi 04 mai 2011
Giuseppe Verdi
-Direction musicale, Roberto Rizzi Brignoli
-Mise en scène Richard Jones, reprise à Lille Geof Dolton
-Scénographie et costumes, Ultz
-Lumières, Wolfgang Göbbel, reprise à Lille Paul Hastie
-Chorégraphie, Linda Dobell, reprise à Lille Anjali Mehra
-Assistant à la mise en scène, Richard Gerard Jones
-Chef de chant, Nathalie Steinberg
-Répétiteur d’italien, Susanna Poddighe
Avec :
-Dimitris Tiliakos, Macbeth
-Susan Maclean, Lady Macbeth
-Dimitry Ivashchenko, Banco
-David Lomeli, Macduff
-Bruno Ribeiro, Malcolm
-Miriam Murphy, Julie Pasturaud, Suivantes de Lady Macbeth
-Patrick Schramm, Médecin, Serviteur, Héraut
-Vincent Vantyghem, Un Assassin
-Irène Candelier, Isabelle Rozier, Jérôme Savelon, Apparitions
-Diego Ruiz Marmolejo, Duncan
-Luke Owen, Fléance
-Claudine Gamand, Hécate
-Danseurs, Rohanna Eade, Khamlane Halsackda, Matthew Hawksworth, Laura Hyde, David John, Shelby Williams
-Orchestre national de Lille Jean-Claude Casadesus / région Nord-Pas-de-Calais
-Choeur de l’Opéra de Lille, Direction Yves Parmentier
Surprise surprise…Bien que j’oscille régulièrement entre Paris et Lille, la principale institution lyrique de la capitale des Flandres ne parvint jamais à m’attirer plus loin que le beau perron ouvrant sur la grand Place. La faute sans doute à un relent de snobisme culturel qui me faisait systématiquement préférer Paris pour les sorties culturelles et en particulier opératiques. L’opportunité d’assister à la générale de Macbeth, la dernière création de la saison lilloise 2010-2011 me permit donc définitivement de dépasser ce préjugé et réparer ce préjudice.
J’avais bien raison d’être excité tel un gamin qui s’attend à découvrir un trésor, un moment privilégié. Et (o)ui car ce fut une belle et heureuse surprise en deux temps que cette générale : tout d’abord la découverte d’un bien beau théâtre, tout de rouge et d’or, avec un magnifique foyer donnant sur la Grand place et le beffroi de la Bourse, et puis une très agréable soirée lyrique, riche d’émotions et de catharsis pour ce Macbeth.
Macbeth, premier opéra où Verdi puisera son inspiration dans l’oeuvre de Shakespeare. Une oeuvre bien connue qui touche à bien des travers et des côtés sombres de l’être humain :
L’Ecosse du XIème s. Macbeth, guerrier loyal venant de remporter une bataille acharnée, s’apprête à fêter sa victoire auprès de son roi. Mais en chemin, avec son ami Banco, il croise un groupe de sorcières auprès desquelles il se laissera prédire l’avenir : gloire et pouvoir s’ouvrent à lui. Conquis par l’ivresse de cet avenir prometteur s’appuyant pourtant sur de bien sibyllins oracles, Macbeth sombrera peu à peu dans la monstruosité la plus totale pour contrôler le cours du destin qui lui est annoncé. Tout comme sa femme avide de pouvoir n’hésitant pas à le pousser sur la voie de la plus terrible tyrannie, Macbeth, livré en proie à l’ambition démesuré, à la culpabilité puis à la folie meurtrière finira assassiné, perdu qu’il fut par sa confiance naïve dans les prédictions absconses des sorcières.
La production de l’Opera de Lille est une reprise avec une complètement nouvelle distribution du Macbeth de Glynbourne. Lors de la saison 2007 du prestigieux festival d’Outre-Manche, la mise en scène était signée Richard Jones. C’est son assistant, le Grand-Breton Geof Dolton, qui a repris et actualisé pour Lille la mise en scène.
Dès le départ, cette production se distingue par un procédé qui, s’il est assez classique dans la nouvelle et le cinéma, reste assez peu utilisé à l’opéra : celui du flash-back. Pendant l’ouverture on voit un Macbeth en fuite sur le point de tomber sous les coups de l’armée conduite par Macduff. On notera que pour accentuer l’effet de flash-back; le metteur en scène fait sortir les choeurs et personnages à reculons.
La mise en scène se veut réaliste avec des rappels constants à l’Ecosse. Kilts et tartans sont omniprésents : sur les hommes, les robes des femmes leur faisant échos, les intérieurs domestiques, les rideaux, les sièges. Les murailles du château de Macbeth, avec son empilement de blocs blancs et son ciment bleu, donne l’illusion d’ailleurs d’un énorme tartan aux couleurs de la Nation aux Chardons. On est in Scotland for sure :). Mais la scène pourrait se passer à notre époque : échafaudages, cartons (habiles formes que prendront les hallucinations de Macbeth à la scène 3 de l’acte II), sacs en plastique (avec lesquels Lady Macbeth s’étouffera), caravanes, gazinière qui servira à concocter les philtres divinatoires et de laquelle sortiront les esprits et autres formes surnaturelles…, tous ces éléments sont là pour affirmer un ancrage contemporain. La hache est préférée au poignard et à l’épée comme arme du crime et attributs des belligérants. C’est encore dans ce qui peut être le corridor d’un sous-sol (de parking) que Banco sera assassiné ou que Lady Macbeth fera ses crises de somnambulisme, mettant puis ôtant sans discontinuer des gants de latex blanc. Les sorcières encore sont incarnées par des groupes de bohémiennes entrant et sortant de caravanes qui font office de repaires.
Si la mise en scène cherche visiblement le réalisme, elle ne se veut pas moins décalée. Un petit air d’humour britannique flotte dans l’air lillois : boules à facettes énormes tournoient pour laisser apparaître des happy faces : métaphore de l’avenir niais de Macbeth au dessus des caravanes des sorcières ?. On retrouvera ces smileys sur des cartons, des seaux (spectre avec la tête recouvert d’un seau avec là encore un happy face). Les couronnes royales sont grotesques et kitchs, disproportionnées comme pour symboliser le poids inconfortable et exorbitant du pouvoir sur la tête des hommes. A noter aussi une forte présence de la couleur orange, couleur psychédélique, s’il en est : sacs plastiques et vêtements Orange seront portés par nombre de personnages. Signalons le rideau avec le 666 qui tombe avant le dernier acte et les haches ensanglantées qui font, disons-le, penser à certaines scènes de films des Monty-pithon. Décalé enfin, car par contraste, les formes surnaturelles dans ce cadre rationnel, apparaissent fatalement encore plus kitchs, d’autant que celles-ci (squelettes, hommes à têtes de loup et momies, esprits, etc…) sont amplifiées par le clonage des êtres surnaturels. Le procédé de démultiplication est en effet récurrent dans cette production où certains personnages surnaturels sont toujours présentés par groupe d’une dizaine.
Quelques moments très poétiques sont à noter :
-une habile suggestion de la scène de somnambulisme et de la bascule vers la folie de Lady Macbeth au début de l’acte I : Lady Macbeth (on regrettera de l’avoir affubler avec un robe moulante vu les formes assez généreuses de Susan Maclean) tient comme en équilibre dans le chambranle de la porte.
-l’apparition des haches le long de l’avant-scène pour signifier la décision prise de Macbeth de passer à l’acte
-l’apparition des boules à facettes au dessus de l’intérieur argenté des caravanes des sorcières (visuellement très réussi)
Une belle mise en scène d’opéra ne remplirait pas complément ses objectifs si les voix et l’orchestre ne sont pas au rendez-vous : globalement ils étaient bon, très bons.
La distribution se voulant hétérogène par la nationalité des chanteurs ne s’avérait pas moins homogène au niveau vocal. Toutes les voix, de bon voire très bon niveau, étaient suffisamment puissantes pour passer, sans problème aucun, un orchestre bien fourni et sonore quand la partition verdienne l’exigeait.
Le baryton grec Dimitris Tiliakos familier du rôle (il l’a déjà chanté à l’opéra de Paris en 2009 par exemple) campe un Macbeth émouvant. J’eus la chance d’être extrêmement bien placé pour apprécier ses regards perdus, hésitants, glaçants et sanguinaires. La voix de ce baryton est charnue et puissante mais capable aussi de faire montre d’une douceur toute romantique (‘Perfidi… Pieta rispetto amore’ de l’acte IV). Le duo de l’acte I (‘fatal mia donna’) de Dimitris Tiliakos avec Susan Maclean (Lady Macbeth), très beau, m’a donné beaucoup de frissons…
La mezzo-soprano américaine Susan Maclean dont c’est les débuts en France n’est pas avare de graves sonores et à l’aise dans l’aigu. Certes logiquement son suraigu peut quelquefois apparaître un peu crié (les contre-ré) mais cette mezzo capable d’effets dramatiques évidents dispose en plus d’une bonne colorature qui lui permet de briller dans la cabalette extrêmement virtuose de l’acte I (‘Vieni t’affretta … Or tutti sorgete’ et l’air du banquet ‘Si colmi il calice’ de la scène 3 de l’acte II). Elle m’apparut très à l’aise dans le jeu. Dommage que la metteur en scène, dans l’acte I, l’ai affublée d’une robe trop moulante lui conférant du coup un côté vulgaire plutôt que tentatrice.
Dimitry Ivashchenko (Banco) basse au timbre plein et rond avait une voix puissante, capable de remplir aisément la salle de l’opéra de Lille. Il était impressionnant dans son grand air de l’acte II (‘come dal ciel’) avec une très belle présence pour ne pas gâcher le tout!
Macduff était interprété par David Lomeli, un ténor mexicain (un autre ; ) remarqué par Placido Domingo, qui a gagné le concours Operalia dans deux catégories Zarzuela et Opera en 2006. Beau timbre pour ce jeune ténor! Dommage donc que Macduff soit un ‘petit rôle’ dans cet opéra de Verdi !! Le fameux air « Ah, la paterna mano » (scène I de l’acte IV) a été particulièrement applaudi. David Lomeli était très émouvant lorsqu’il voyait passer un à un tous ses proches, amis et famille, emportés par la folie meurtrière du couple royal.
Les choeurs de l’opéra de Lille n’ont pas démérité. Déjà , les sorcières en plus de bien jouer, chantaient admirablement (‘Tre volte miagola la gatta’ de l’acte III). De façon plus général, la qualité des choeurs étaient patente dans les scènes a cappella où justesse et netteté des voix (jamais une voix qui traîne) s’apprécient tout particulièrement. Par ailleurs, il est toujours difficile de chanter en faisant de grands déplacements scéniques et à fortiori en dansant! On voyait ça et là des choristes qui avaient besoin de suivre la chorégraphie assurée de certains de leurs collègues (plus studieux 🙂 mais globalement du grand travail.
L’Orchestre National de Lille a donné une nouvelle preuve de son talent sous la baguette avertie de Roberto Rizzi Brignoli qui n’est pas nouveau à Lille, puisque le public de la capitale des Flandres avait pu le découvrir dans une autre Verdi (Rigoletto) il y a trois ans. Jamais deux sans trois, espérons qu’il revienne vite !
Un vrai bonheur donc et une agréable découverte pour ce baptême opératique lillois !
Anna Bolena au Staatsoper : un souvenir inoubliable !
Anna Bolena : dix heures de queue pour une Stehplatz (place debout à 4 euros) à l’opera de Vienne ! Ca avait intérêt à être exceptionnel surtout que, n’ayant pas la télé, je n’ai pas pu le regarder sur Arte le mardi 05 avril. Et bien entendu ca le fut EXCEPTIONNEL comme souvent au Staatsoper…
Evelino Pido, s’imposant dans ce répertoire des trois premières décennies du XIXème siècle, dirigeait un orchestre du Staatsoper naturlich impeccable ! Tous les chanteurs étaient sublimes à l’exception d’Ildebrando d’Arcangelo (Enrico VIII), un peu en déçà du reste de la distribution dans le premier acte (graves pâteux, certaines difficultés à vocaliser). Visiblement un peu fatigué (on se souviendra qu’il avait annoncé annuler pour finalement assurer ces représentations), il sera beaucoup plus à l’aise dans le second acte.
Mais venons-en tout de suite au couple féminin exceptionnel de cette soirée : Elina Garanca et Anna Netrebko ! Je me souviendrai longtemps de l’entrée d’Elina Garanca (Giovanna Seymour). Son premier air était prodigieux : voix impeccable et un port (pas de voix:) d’une classe !! Une beauté solaire face à la ‘Séléné’ d’Anna Bolena (Anna Netrebko), astre d’une nuit qui va bientôt l’engloutir.
Elina Garanca (Giovanna Seymour) et Ildebrando d’Arcangelo (Enrico VIII)
Et Anna Netrebko (Anna Bolena) ?! A certains moments j’avais l’impression de voir et d’entendre Maria Callas. Exceptionnelle! Voix puissante, nuancée, à l’aise dans la vocalise et capable d’effets dramatiques hors de portée de moult sopranos coloratures. Certes quelques petites impuretés dans le suraigü, quelques contre-ut n’étaient pas techniquement exceptionnels mais ils imposaient leur force expressive époustoufflante… Anna Netrebko est une cantactrice ! (j’ose le mot-valise) hors pair, une artiste exceptionnelle ! Quelle expressivité, quelles tensions dramatiques dans ses tentatives de justification auprès de cette belle pourriture d’Henri VIII. Ces airs de colères m’ont pétrifié ainsi que la scène de quasi-folie où elle embrasse le page Smeaton (la contralto Elisabeth Kulman) qui l’a bêtement perdue…Je retiens également le duo sublimissime des deux rivales (Giovanna et Anna) sans oublier le tableau émouvant entre Anna et sa petite fille.
Anna Netrebko dans Anna Bolena au Staatsoper
Dès le début, une saine émulation entre toutes ses grandes voix. Grandiose ! Il était dur de tenir debout dans le parterre des Stehplätze!!! En particulier la complicité vocale d’Anna Netrebko avec Elina Garanca est évidente. Magnifiques toutes les deux, avec des voix hors-du-commun !! Il n’y a après tout pas à s’en plaindre : les voix sont belles et en plus elles sont belles, gracieuses, crédibles. Des divas au sens premier du terme, de ces femmes qui alimentent l’univers fantasmatique des opera-lovers masculins dont je suis!
Francesco Meli campait un Lord Percy admirable. C’est la première fois que je entendais en live ce tout jeune ténor italien ! Il vocalisait avec une puissance que je ne lui soupçonnais pas. C’est peut-être dû à la qualité acoustique de l’Opera de Vienne dont une usine opératique parisienne, sise non loin de la Bastille, devrait largement s’inspirer (on ne se lassera jamais de le répeter) … Son dernier aria était particulièrement touchant, même s’il a encore des progrès à accomplir dans son jeu d’acteur un peu trop statique à mon goût (mais il est jeune, il n’a même pas encore 32 ans !)
Malgré son début difficile (empathie du chanteur qui parle), ill(debrando?) sera bon au dernier acte. Certes à l’entame la voix restait un cran en deçà de ce qu’on lui connait mais quelle présence : au sein de toutes ces beautés féminines, il parvient à s’imposer en roi crédible et séducteur au possible ! Smeaton et le frère d’Anna Bolena complétaient ce tableau vocal de très grand pedigree!
Un petit mot sur la mise en scène également d’Eric Génovèse. Elle alliait costumes magnifiques et décors quasi intemporels constitués principalement de panneaux qui s’abaissent progressivement (j’ose y voir une métaphore de la lame du bourreau approchant), lesquels deviennent des murs mobiles qui se resserrrent inexorablement autour de la pauvre Anna pour finir par devenir le Donjon où elle, son frère, le page et son premier amour Percy finiront. A l’instar du dernier film de Justin Chadwick (Deux soeurs pour un roi) : la Reine est morte, vive la Reine !! Si le destin tragique d’Anna ne fait aucun doute dans la mise en scène de Génovèse, la touchante apparition de la fille de la malheureuse épouse d’Henry VIII (la future Elisabeth I), illumine d’un rayon de lumière, porteur de vie et d’éternité, cette figure historique féminine hors du commun que fut Anna Bolena. Un tableau final particulièrement réussi donc !
On ne comptera donc pas les levers de rideaux en cette soirée du 11 avril 2011. Le public viennois était hystérique. Ca aussi ça fait partie de la magie de cette représentation. Avec Roberto Alagna et Angela Gheorghiu présents dans l’assemblée et disons le parmi les plus bruyants des spectateurs (il sait siffler Roberto), une petite touche glamour et « people » pour couronner l’une des plus belles, sinon la plus belle soirée d’opéra que j’ai eu au cours de cette année 2011 !!
« Wean » Ich liebe dich !!!
Concerts à Amsterdam !
Oui super Amsterdam, so extreme a city! Et si proche de Lille en plus !
En plus des ballades le long et sur les canaux, et du musée Van Gogh, trois concerts très différents qui m’ont fait beaucoup de bien en ces périodes de disettes culturelles parisiennes.
Premièrement un concert dans la superbe salle du Concert Gebouw. Au programme : Tchaikovski, Piazzolla et Schubert plus précisement la Sonate Arpeggione dans l’adaptation pour alto, interprétée pour l’occasion par le talentueux altiste (mais aussi violoniste), Julian RACHLIN. La seconde partie fut assurée par le seul Amsterdam Sinfonietta , phalande néerlandaise, dirigée au violon, par la pulpeuse maestra Candida Thomson au décolleté impressionnant, aux véritables « oreillers de chair tendre » à chaque fois qu’elle saluait!! Bien inspiré je fus de me placer au quatrième rand en plein centre de la salle !
Trêve de plaisanterie, c’était surtout au Musiek Gebouw aan t’ij (salle ultra moderne construite le long de l’IJ) que j’ai été emb(p)allé par un opera allemand rarement joué ‘Der Vampyr’ d’Heinrich MARSCHNER,visiblement le chainon entre Weber et Wagner.
Enfin dimanche soir, un « family concert », où tous les membres fort musiciens d’une famille néerlandaise exécutent un programme. J’ai eu droit à la Wolders family dans un programme pour instruments à vent très ‘Françaix’.
Opera de Cologne : Offenbach tous les 3 ans et le fonctionnalisme allemand…
C’est moi qui avais baptisé mes amis de la Ruhr, Sarah et Faissel avec Les Contes d’Hoffmann !
Il y a quelques années, encore parisiens, Faïssel et Sarah avaient eu droit à l’opéra Bastille à une super production des Contes dans la mise en scène de Robert Carsen. Depuis qu’ils ont élu domicile à Meckenheim dans la campagne de Cologne, ni Faïssel ni Sarah, pourtant clarinettiste, n’avait remis un lobe d’oreille dans un opéra. Et il a fallu que je vinsse à Köln leur rendre visite pour décider Sarah à se frotter une nouvelle fois à Offenbach et écouter un autre opéra et non des moindres puisqu’il s’agissait du très solennel Tannhäuser.
Richard Wagner !? Quel lien entre Tannhäuser à Cologne et le plus allemand des compositeurs français, me direz-vous ? Et bien… le Buehnen Köln, l’opéra de Cologne, trône tout bonnement sur la place Offenbach, car l’auteur du « French Cancan » nacquit dans cette métropole allemande !
Outre le ruban offenbachien que le hasard nous a noué à Sarah et à moi, ce que je retiendrai également du kölner Oper, c’est son côté très fonctionnel !
Cologne, tout comme la ville de Dresde, fut pratiquement rayée de la carte à la suite des bombardements alliés. Contrairement à sa cousine de l’Est, la cité rhénane n’eut pas la chance de voir reconstruire son Opéra à l’identique. C’est un bâtiment de béton extrêmement moderne qui trône désormais sur la place Offenbach, non loin des deux oreilles pointues et musicales de l’impressionnante cathédrale.
L’Opera de Cologne dominant la Place Offenbach
Moderne et extrêmement fonctionnel. Tout d’abord, l’observateur distrait remarquera qu’une galerie aérienne conduit directement les spectateurs, du parking de l’Opera, l’Oper Parking, aux étages du temple lyrique. Ensuite, à l’intérieur de cube de béton, de grands espaces sont consacrés aux fumeurs : nul besoin pour les accrocs de la cigarette de se coltiner les nombreuses marches d’escaliers menant à des balcons surpeuplés ou à la place Offenbach pour s’en griller une pendant les entractes. Enfin, nos cousins d’outre-Rhin dans leur anticipation à toute épreuve ont pensé aux effets collatéraux que les frissons lyriques provoquent aux mélomanes que nous sommes : ils ont eu la bonne idée d’installer des toilettes, de petites tailles mais nombreuses à proximité du parterre et des loges et non pas enfouis et refoulés adossés à de lointains vestiaires !
Ah l’efficacité germanique !!
Cadmus et Hermione : Ah, Lully, Ah !
Façade de l’Opera comique (Place Favart)
Hier (lundi 21 janvier), je suis allé à l’Opéra Comique voir ce qui est considéré comme le premier opéra à la Française, »Cadmus et Hermione » de LULLY, tragédie en musique, sur un livret de Philippe QUINAULT.
C’était génialissime tant pour l’ouie que pour la vue !
La musique était jouée sur instruments anciens par des artistes admirablement dirigés par Vincent DUMESTRE, le chef de l’une de nos plus talentueuses phalanges baroques, le Poème Harmonique.
Les solistes et choristes, tous excellents, prononçaient le texte avec l’accent de l’époque. On s’aperçoit ainsi que « pas » rimait avec « basse ». Et quel plaisir pour l’oreille que toutes ces consonnes finales aujourd’hui si tristement muettes !! La gestuelle des chanteurs et des danseurs, hiératique et précieuse, faisait admirablement échos à la majesté de cette langue si remplie de style et de majesté !
La mise en scène de Benjamin LAZAR, de très haute facture, enchantait. La scène, plus exactement la rampe, était éclairée à la chandelle comme à l’époque du Roi Soleil. Les costumes exultaient de soieries et de plumes rivalisant en couleurs! Les décors, comme sortis des Ateliers du Roy, utilisaient les effets et une machinerie directement empruntée aux techniques du Grand Siècle : les panneaux coulissent à vue, Jupiter descend des cieux, un serpent python articulé est terrassé par Cadmus, notre héros éponyme, des géants sur échasses livrent combats…
Au plus fort de l’intrigue, je pensais que Louis XIV allait paraitre et me tapoter l’épaule tellement j’étais dans l’ambiance… J’avais aimé le film de CORBIAU, « Le Roi danse » mais de vivre un tel spectacle en direct … expérience inoubliable !
Et oui, ce n’est pas courant d’entendre des Lully dans une grande salle parisienne telle que Favart. Espérons que ce « Cadmus & Hermione », auquel a succédé un magnifique, « Le Carnaval et la Folie », du Mousquetaire-Compositeur, le chevalier DESTOUCHES, inaugure une longue période de spectacles (baroques) de qualité à l’Opéra Comique !
A ce titre, saluons également le travail et les activités corollaires qui accompagnent chacune des œuvres phares de cette première saison de l’Opera comique placée sous l’heureuse direction de Jerôme DESCHAMPS : expositions thématiques, concerts, conférences et lectures!
Si ca continue, je pense que je vais craquer pour un abonnement à l’Opéra Comique l’année prochaine, car «…quels plaisirs [y] goûtons-nous! Les dieux mêmes n’en n’ont point de plus doux… ».